Emanuel Gat électrise le Vieux Port de Marseille

Le 22 juin 2024 par Delphine Goater

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Marseille. Théâtre de La Criée. 21-VI-2024. Dans le cadre du Festival de Marseille. Emanuel Gat Dance : Freedom Sonata. Chorégraphie, scénographie et lumières : Emanuel Gat. Musique : Kanye West – The Life Of Pablo (2016), Ludwig van Beethoven – sonate pour piano #32 en Ut mineur opus 111 (deuxième mouvement) interprété par Mitsuko Uchida, piano et enregistrée en 2006. Créé avec et interprété par Tara Dalli, Noé Girard, Nikoline Due Iversen, Pepe James, Gilad Jerusalmy, Olympia Kotopoulos, Michael Loehr, Emma Mouton, Abel Rojo Pupo, Rindra Rasoaveloson, Sara Wilhemsson. Direction technique : Guillaume Février. Conception sonore : Frédéric Duru

France

Provence-Alpes-Côte d'Azur
- Marseille

Au Festival de Marseille, le désormais marseillais Emanuel Gat télescope Beethoven et Kanye West dans Freedom Sonata, sur le grand plateau du Théâtre de la Criée. Une performance qui passe du blanc au noir.

Le mouvement du jazz sert de fil conducteur entre le deuxième mouvement de la Sonate pour piano n^o 32 en ut mineur, opus 111 de Beethoven et le R&B très « feel good » de The Life of Pablo de Kanye West. La liberté de l'un, mâtinée d'improvisation, répond à l'exubérance sensuelle de l'autre, à grands coups de vocodeur et de références à Motown, le courant musical des années 70 né à Harlem. La virtuosité de la danse sur Beethoven, sa fluidité douce, trouve son prolongement dans un déploiement festif et performatif de la danse sur Kanye West. Il y a souvent une grande recherche d'harmonie dans les ensembles dansés, avec l'usage pertinent de l'unisson ou un regroupement symbolique des danseurs au centre du plateau.

Pour cette pièce généreuse et solaire, Emanuel Gat fait confiance aux onze danseurs de deux générations qu'il a mélangés dans une sorte de grand remix. La compagnie Emanuel Gat Dance compte en effet des performeurs extraordinaires qui s'écoutent, se jaugent, se comprennent, se comparent et entre lesquels le mouvement circule. Il y a des moments de danse d'une énergie extraordinaire, et qui mettent en résonance avec la musique, de l'électricité dans l'air. Sous le signe du défi, les danseurs se confronte avec complicité et bienveillance. Ça pulse !

Le dispositif lumineux cultive aussi les contrastes, avec un système de douches fixes, qui balaie le plateau ou le nimbe de lumière poussiéreuse. Dans une ambiance de répétition, le spectateur devient peu à peu expert sur la manière de déposer des lés de tapis de sol blanc, une manipulation qui se répète à intervalle régulier tout au long de la pièce. Avec les interprètes constamment sollicités pour coller de nouveau lés de tapis de danse, et du coup cessant de danser, le chorégraphe pratique une baisse de tension qui nuit à la fluidité et à la dramaturgie. Ces ruptures de rythme sont un peu perturbants et donnent à l'ensemble un côté « work in progress » assez étrange, comme si le chorégraphe n'assumait pas pleinement la forme du spectacle et sa finitude.

La couleur du début de la partie finale du spectacle est beaucoup plus exubérante et démonstrative que le reste de la pièce, le chorégraphe tombant un peu dans la mode du participatif. Heureusement, cette tentative reste éphémère ! Alors que la boîte noire du début de la pièce devient progressivement une boîte blanche, l'évolution de la scénographie va jusqu'à des silhouettes qui se détachent en ombres chinoises sur un cyclo blanc, apaisant le jeu électrisant lancé par les interprètes. Cependant, en étirant le concept qui passe du blanc au noir, le chorégraphe se fait un peu plaisir sans forcément resserrer ou tenir son propos.